lunes, 16 de noviembre de 2009

De Rosario a Canal Encuentro


El alma creativa y en eterno movimiento de Juan Mascardi lo llevó una vez más a proyectar y lograr un nuevo producto que llegará muy lejos.

El ciclo Sustancias Elementales, ganador del Programa Estímulo a la Realización Audiovisual del Ministerio de Innovación y Cultura de Santa Fe 2008, se presentó el pasado 18 de noviembre en el Aula Magna de la UAI Rosario.

El ciclo comprende, en su primera etapa, cuatro capítulos de treinta minutos, en cada uno de los cuales se narra una historia vinculada con los elementos: Tierra, Aire, Agua y Fuego, resaltando en cada caso valores sociales, culturales, políticos, humanos y medioambientales.

Pero la difusión no es punto menor ya que durante el 2010 el Canal Encuentro será el encargado de mostrar este material en su grilla de programación.

Éxito asegurado para estos trabajadores incansables que aportan una nueva cuota de cultura.

El Equipo
Guión y Dirección: Juan Mascardi
Producción Ejecutiva: Federico Pissinis
Producción Periodística: Paulo Ballan, Antonio Galimany
Dirección de Fotografía: Lucas Pérez
Sonido: Santiago Zecca
Animaciones: Alcides Izaguirre
Edición: Ignacio Roselló
Música Original: Argento (Lilian Giubetich, Luciano Pietrafesa, Leon Bertone)
Camarógrafos: Martín Pérez, Alcides Izaguirre, Lucas Pérez, Marcos Garfagnoli
Asistente de Cámara: Virginia Maciel
Asistentes de Producción: Fernando Llorente, Rocío Martínez, Ayelén Ferreyra
Asistente de Sonido: Juan Valesi

sábado, 14 de noviembre de 2009

"Yo nunca fuí a Buenos Aires" Cantata Latinoamericana involuntaria




Los Jumping van por más, y en esta oportunidad se juegan por un nuevo espectáculo humorístico de teatro y música, de sólo dos funciones .

La primera fue este viernes 13 de noviembre y la segunda está prevista para el próximo 20 .


De qué se trata?

Cuatro músicos-actores o actores músicos junto a un presentador recorren a través de una disparatada aventura musical un amplio repertorio de divertidas canciones populares.Tocan, cantan y actúan:Luciano Duri (Piano y guitarra) / Homero Chiavarino (guitarra y acordeón)/Mauricio Palavecino (Batería y percusión)/ Alejandro García (percusión)Cristian Marchesi (Presentador y narrador)Dirección musical: Homero ChiavarinoGuión: Cristian MarchesiDirección General y puesta en escena: Cristian Marchesi.


The Jumping Frijoles es un grupo de teatro independiente, con siete años de existencia en la ciudad de Rosario, Santa Fe. Durante estos años ha desarrollado un trabajo continuo de investigación, entrenamiento y producción teatral con el montaje de varios espectáculos (“The Jumping Frijoles hacen el Match”, su versión para niños “The Jumping Frijoles hacen el Match para niños” ,“Que sea la Odisea” y ”Canciones en movimiento”).


El grupo se ha especializado en el campo de la improvisación teatral, desarrollando un formato propio de esta modalidad con el que llevan realizadas más de 500 funciones. El tratamiento de lenguajes contemporáneos y la variedad de formatos, estilos y géneros abordados han favorecido el acercamiento de niños y jóvenes a la propuesta. Sus espectáculos además suelen integrar baile y música. Durante 2008/09 a participado de Festivales de Teatro nacionales e internacionales y han recorrido con sus espectáculos casi todo el país.

Cine de Japón, pero con Sushi

El Ciclo de Cine Japonés en Takó Sushi, se extenderá durante todo el mes de noviembre.

El Jardín Zen y su nuevo espacio: la Casa Zen, permiten que este espectáculo genere el clima para tornar el sentido de un anoche de semana.

Durante el mes de noviembre y el primer fin de semana de noviembre se podrán ver películas como Big Ban Love, Tokyo Sonata, Una Pareja Perfecta y Café Lumiere.

martes, 22 de septiembre de 2009

“Cuestión de principios”


Escrita por Roberto Fontanarrosa y dirigida por Rodrigo Grande, desde este jueves 24, llega al cine una historia rosarina de pura cepa.



Filmada íntegramente en la ciudad de la bandera, Cuestión de principios llegó al cine, para contar la historia de Adalberto, un hombre que vive pontificando sobre los principios y la ética, se ve enfrentado a sus valores, su familia, e incluso a si mismo, al negarse a venderle a su jefe, la antigua revista que le permitiría completar una colección personal.
Federico Luppi, Pablo Echarri y Norma Aleandro, son los protagonistas principales de esta historia que se teje en el corazón de la ciudad.
Pequeña sinopsis
Luppi encarna a Castilla, una persona envuelta en convenciones que contienen a la ética y a los principios como elementos de base. Un hombre chapado a la antigua, como suele decirse. Para sus compañeras es un caballero, para sus compañeros un hazme reír.
Tras la llegada de su nuevo jefe Silva, papel que protagoniza Pablo Echarri, Castilla descubre que tiene el ejemplar faltante de una colección de revistas Tertulia que su superior colecciona.
Castilla dando una de sus notables lecciones de moral, esta vez a su jefe, se niega a venderle este número de la revista frente a toda la plana mayor de la empresa “porque no todo se puede comprar”. A partir de ahí, comienzan a tejerse situaciones difíciles de sobrellevar para este empleado por parte de su jefe.
Silva termina enfrentado con su familia, su esposa, Norma Aleandro, y su hijo, ante el rechazo de la suma de dinero por la revista.
Castilla comienza a verse tentado a venderla, pero presa de la falsa admiración de sus compañeros, de sus palabras y sus actos, no puede dar marcha atrás. Todo lo lleva a un callejón sin salida: la renuncia y la humillación de sus principios frente a los demás, contradiciendo toda su perorata de ética y moral para poder dar a su familia la posibilidad de un bienestar recuperando su afecto. O mantenerse inmaculado a las tentaciones y presiones, sosteniendo la admiración que muchos le tienen junto con todo lo que ha dicho y creído siempre, no doblegándose frente al poder del dinero, aunque privando a su familia de un buen pasar. Todo al final será una cuestión de principios.
Una gran apuesta del cine nacional que realza el contenido bien montado y trabajado de un grupo de rosarinos que supieron apostar con seguridad a lo que será un verdadero éxito.
Data
La producción del filme es llevada adelante por Línea De Tres Producciones; compuesta por Leonardo Di cesare, Rubén Fernández y Rodrigo Grande.
La primera película de Leonardo Di cesare Buena vida delivery, recorrió el mundo cosechando más de 15 galardones en festivales como el de Toulouse en Francia, Valladolid en España, el de Puchon en Corea, y el de Mar del Plata en Argentina.
Además, recibió el premio Clarín a la Mejor Ópera Prima.
Fue vendida a más de 25 países y tuvo excelente repercusión y crítica.

lunes, 21 de septiembre de 2009

Sala recuperada


La sala Arteón reabrió sus puertas. Un nuevo espacio para que la cultura local despliegue su arte en beneficio de todos.



Luego de un gran trabajo mancomunado, este espacio de arte volvió a la ciudad. La sala Arteón reabrió sus puertas este lunes 14 de septiembre para no cerrarlas jamás.
Este lugar de presentación, producción y enseñanza del teatro; de cine y música rosarina, funcionó durante 30 años en el mismo lugar donde se emplaza nuevamente desde estos días: Sarmiento 778, planta alta, más precisamente en la Galería El Patio. Fue la primera de las cuatro salas que se inauguraron y funcionaron regularmente a cargo de Arteón.
Un pasado que sigue vivo
La Sala inició sus actividades regulares el día 15 de octubre de 1968. Sufrió un incendio total el día 27 de octubre de 1972. Posteriormente, se reconstruyó y se reinauguró el día 15 de agosto de 1973.
Funcionó en forma permanente hasta principios de 1994, año en que los propietarios de la Galería efectúan una amplia reforma de la misma que abarcó también a la Sala (se cambió el ingreso, se construyeron los baños independientes, la boletería pasó al entrepiso). Se reinauguró a mediados del `94. En ese año, Arteón realizó un convenio con la SER (Sociedad Exhibidora Rosarina) de uso en conjunto y comenzó a funcionar como cine hasta septiembre de 1997. Para fines del 97, se vio obligada a desligarse de la administración de la Sala.
Posteriormente, se cerró y se reabrió en diciembre del `97 hasta octubre de 1998 en que la SER se retiró de la sala. Ésta siguió funcionando a cargo de la empresa Paseo del Siglo hasta su último cierre el día 23 de agosto de 2006.
De cara al presente
Uno de los responsables de la recuperación de este proyecto, Néstor Zapata, director del grupo y futuro conductor del espacio, se mostró con mucha emoción ante el lanzamiento y logro de esta propuesta que florece en el centro de la ciudad: “Siento muchísima emoción porque estamos en el lanzamiento de algo especial y único. Abrir el Arteón es más que abrir las puertas de una sala, es volver a un hito importante de la cultura de los rosarinos. Sigue adelante Rosario con sus formas estéticas, propuestas temáticas, compromisos”.
La carga sentimental hacia este espacio es un gran valor agregado a la hora de ilustrar el significado personal, y para la cultura local, “esta sala fue parte de los años de resistencia de los gobiernos de facto. Acá seguíamos trabajando pese a que se nos persiguió, aquí se refugiaban aquellos que no tenían su lugar de expresión. Los programas o películas que no son comerciales, obras de teatro que no tienen la posibilidad de estar en un centro comercial que vengan aquí, que tendrán su lugar. Nuestra idea es que antes de cada largometraje se proyecte un cortometraje de un realizador rosarino, y vamos a tener un escenario como siempre soñé, plegable, para adecuar las dimensiones, además de equipo de audio, de proyección de videos. Tenemos todo por primera vez, nos sentimos orgullosos y lo queremos poner en las manos de la juventud para que sea una posta”, finalizó el director.
En este sentido y entre otras personalidades del espectáculo y cultura local, el realizador Gustavo Postiglione también se hizo presente en esta convocatoria, y será la persona encargada de llevar adelante la programación de cine del lugar: “Esto tiene que ver con mi formación, empecé estudiando cine en este lugar, aquí se dieron mis primeros pasos, y ahora llegar a esta instancia realmente está muy bueno”.

domingo, 13 de septiembre de 2009

Cena con Marca




Presentarlos se tornaría ingenuo, porque ya no existe persona alguna que no conozca de su existencia.
Marca Cañón es un dúo humorístico que ha recorrido varios años de teatro en la ciudad de Rosario y también fuera de ella.
Lo cierto es que yo, aunque suene un tanto verosímil, no los conocía.
Finalmente gracias a una muy buena elección de mi amiga Gaby, decidimos pasar un sábado tranquilo, (de esos en los cuales rendimos un buen homenaje al arte de la alocución y por supuesto nos deleitamos con uno de los grandes placeres de la vida, comer, (era sábado, para la dieta faltaban dos días), y fuimos a un bar renocido por su espíritu canalla de la zona norte de la ciudad, Rosarigasino (donde se puede charlar muy bien).
Humor de Marca es el show montado por Germán Mazzetti y Jorge Fossetti que a lo largo de casi una hora no permite dejar de reír con las ocurrencias de sus ya conocidos personajes. Johnny Pérez, Rolo & Lulú, Osvaldo & su Maestra, y todos los personajes de este desopilante show.
De todos modos y por si existe alguna persona que como yo, hasta ayer no tuvo la suerte de entretenerse con este show, Marca Cañón continúa con su temporada despedida 2009 :"Humor de Marca", en Rosarigasino Restaurant, Avellaneda y José Ingenieros, Rosario.
Espectáculo para aprovechar, vale la pena.

viernes, 11 de septiembre de 2009

Comedia sin título


Los sábados 5, 12 y 19 de septiembre a las 21. 30 horas, el teatro llega al CCPE/AECID, de la mano de Matías Martínez y un gran elenco de artistas reconocidos de la cultura local.


Luego de llevar adelante la exitosa producción “Esperando la carroza”, de Jacobo Langsner, el director teatral Matías Martínez, vuelve con una gran apuesta de la mano del Centro Cultural Parque de España.
Se trata de una coproducción sobre el texto del poeta español Federico García Lorca, del que sólo llegó a escribir el primer acto. Es la primera producción íntegramente realizada por el Centro Cultural, en la cual Matías Martínez fue el director convocado para trabajar: “Propuse Comedia sin título y me dijeron que sí. Hablamos de una obra inconclusa, sólo un acto que sucede en un teatro, donde se narra la relación de un director con sus actores en vísperas de una revolución. Esos artistas todas las noches representan una comedia, `Sueño de una noche de verano´, y en algún momento el director plantea que en vísperas de una revolución, y como está todo, no pueden seguir haciendo comedia, sino que hay que plantear otro tipo de teatro. Ahí empieza el inconveniente, porque los actores lo único que saben actuar son las comedias, mientras que este director propone algo, a su criterio, un poco más serio. Hay varios niveles de narración, pero el cuento final sería ese”.
La premisa de este producto fue trabajar sobre textos de un autor español, y allí es donde García Lorca apareció. “Nunca había tenido contacto con la literatura de este poeta, así que eso significó un encuentro y reconocimiento del material, a partir de ahí comencé a imaginar cómo llevar adelante la puesta, e inmediatamente convoqué a un elenco y equipo técnico adecuado para sostener este proyecto”, argumenta Martínez.
El elenco fue seleccionado según el criterio de “physyque du rol, se pensó en los actores según el requerimiento morfológico de los personajes, según el argumento de la obra. Naum Krass interpreta al director; Tito Gómez y Mirta Maurizi, los espectadores; Luciano Matricardi, joven y Puck, Miguel Franchi, mozo, obrero, hombre cabeza de asno; Judith Ganón, actriz, Titania y lady Mac Beth; Martín Fiumato, es apuntador y Oyeron; Mario Vidoletti, dueño del teatro; Omar Romero tramoyista, falso obrero, y Gustavo Girves pianista.
La escenografía evoca el universo mágico y onírico de “Sueño de una noche de verano” al tiempo que evidencia el mecanismo propio de la representación teatral, de Nicolás Boni.
El vestuario está a cargo de Paola Fernández, el maquillaje y caracterización, de Ramiro Sorrequita y la asistencia de dirección es de Marcela Ruiz.
Con la focalización puesta en vincular la cultura teatral con la gente, “Comedia sin título” intenta probar hoy cuán vigentes se encuentran los lazos culturales, idiomáticos y sociales entre España y el Río de la Plata. Una historia de ficción que guarda en su interior algo tan perturbador como atrapante, más ficción.

martes, 1 de septiembre de 2009

De amores… y segundas oportunidades


Basada en la historia “La dulce Carola”, escrita por Ismael Serrano, llega a la pantalla grande “El hombre que corría tras el viento”.

El reconocido cantautor español Ismael Serrano visitó la ciudad de Rosario para presentar “El hombre que corría tras el viento”.
En esta oportunidad, la música se corre a un costado para dar lugar a la nueva faceta del artista: la de actor.
La historia comienza a tejerse en el concierto del 2003, cuando sobre el escenario del teatro Lope de Vega en Madrid, a través de “La dulce Carola”, Ismael relata los hechos de un tímido hombre dispuesto a ver pasar su vida detrás de una ventana.
A partir de ese momento, esas mismas imágenes relatadas comienzan a transformarse en el deseo absoluto del autor: el de ser expresadas en una pantalla grande.
Así, junto a Juan Pablo Martínez, Ismael Serrano volcó en un guión de cine todo aquello que dibujó esa historia dulce acompañada de una guitarra.
“Desde el escenario uno se interpreta a sí mismo, sin embargo, en una película lo hace a través de la piel de los personajes. Todo surgió de forma natural. A medida que íbamos desarrollando las secuencias y diálogos… ¡Claro! yo tenía el personaje muy interiorizado y quizás por eso me atreví a decirle a Juan Pablo que me dejara ser el protagonista…. y de repente, ¡me vi protagonizándola!”, comenta el artista haciendo notar la carga de significación que este proyecto contiene en su vida.
Esta producción grabada en Argentina cuenta con la grata participación de Jazmín Stuart, Bárbara Lombardo, Pasta Dioguardi, Roly Serrano y Oscar Núñez, actores que según el propio Ismael, lo ayudaron en este camino hacia la construcción del personaje.
En la piel de Daniel
Según lo define el artista, Daniel, su personaje, es una persona hermética, tímida y no por miedo al rechazo, sino más bien al éxito. “Este personaje asume los fracasos como inevitables. Pensar que tu destino está escrito y no precisamente para bien, dejar que te empujen los acontecimientos y asumirlos como vienen, como si uno no tuviera la posibilidad de cambiar las cosas. Él (Daniel) no es conciente de ese potencial, y yo creo que toda la película es una lucha consigo, precisamente para poder aproximarse”, ilustra.
Luis es el personaje de Pasta Dioguardi, un no vidente amigo de Daniel, quien desde su lugar transita su vida de otra manera. “Luis, a veces, ve con más claridad la vida. Si bien el personaje de Pasta tiene una discapacidad, más discapacitado parece mi personaje, en lo emocional, que lo lleva a sufrir desde su lugar”.
Canción hecha cine
La película fue filmada hace dos años en la Argentina. Buenos Aires y El Calafate fueron dos locaciones elegidas para llevar adelante este soñado producto.
“La película pretende asumir un bolo poético y tiene un componente mágico fuerte, entonces el hecho de haber ido al sur fue pura magia donde el paisaje ayudaba a crear el ambiente necesario, porque la escala de dimensiones (más para alguien que viene como de Europa como yo, donde todo es mas pequeño) los horizontes, los cielos y las cordilleras, son otras. El final tiene ese punto de redención. En Buenos Aires, los planos son más cerrados, y cuando te vas al sur, se abren”.
Alucinado con el cine, Ismael celebra la capacidad de que todo aquello imaginado en prosa, haya sido plasmado en personajes perfectamente creados por actores argentinos con gran profesionalismo.
Finalmente con una gran carga emotiva, el cantautor culmina: “Mi expectativa es que a la gente le guste. Es una comedia romántica, un género que me encanta, e invita a reflexionar. Intenta sacar alguna sonrisa, quizás alguna carcajada, pero sobre todo pensar sobre nuestra incapacidad de enfrentarnos a las derrotas cotidianas. Actuar me parece un desafío enriquecedor y espero me perdonen como intruso, los actores profesionales, pero me encantaría seguir en este arte”.
Desde el 3 de septiembre en todos los cines, “El hombre que corría tras el viento”, podrá reflejar esa historia tan particular y mágica del amor a primera vista… Quedó claro, ya no tiene caso preguntar… ¿Acaso existen otros?

miércoles, 26 de agosto de 2009

Bésame en la boca


Besos con forma de canción, y tango como sutil marco musical, son los componentes de esta pieza musical teatral que va a representar a la ciudad en el viejo continente.


La reconocida actriz y cantante rosarina Alejandra Zambrini vuelve una vez más a los escenarios del arte teatral para darle cuerpo a un personaje que encantará con su dulce voz.
Junto a nada más ni nada menos que el director teatral, Rodolfo Pacheco, estos dos artistas llevan adelante la obra Bésame en la boca.
El proyecto surgió hace alrededor de dos años, y para febrero de 2009, ya se estaba estrenando en Jujuy.
“El tango es el género que más me gusta cantar, si bien yo empecé en mi trayectoria como cantante con el género del music hall, a lo largo del tiempo me incliné por el tango. El primer espectáculo que hicimos con Rodolfo hace 12 años fue de tango y a partir de ahí siempre que canté para adultos canté tango. Volver a trabajar con Rodolfo
Es un verdadero placer”, ilustra Zambrini.
Melodías con sentido
Pero lo cierto es que el derroche de talento en escena tiene más protagonistas, Guillermo Copello en violín y arreglos, Lucas Querini en piano, Carlos Cassasa en la dirección musical y Roxana Ciordia en el diseño del vestuario.
Los artistas realizan en cada espectáculo un abordaje no sólo desde la música sino también desde la actuación. Sobre las tablas estos tres personajes, Guillermo, Lucas y Alejandra, junto a un Gardel presente desde lo abstracto, componen historias sobre besos que van desde lo ingenuo a lo atrevido.
“Con el beso como base vamos dando lugar a diferentes temas, el primer beso, por ejemplo” comentan.
De gira
Si nos detenemos en la crónica de las presentaciones, esta historia salta el hilo de lo habitual, ya que el estreno de Bésame en la boca se llevó a cabo en Jujuy. Lo cierto es que luego de recorrer los escenarios locales y de ciertos lugares aledaños, este grupo va a hacer pie en el viejo continente.
"Bésame en la boca" fue invitada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Castuera (Badajoz) y la Asociación Serena Teatral para representar al Tango Argentino en el "Sexto Ciclo Teatral de Integración Iberoamericana", motivo por el cual todo el grupo viajará el 1º de septiembre y permanecerán durante un mes en aquel sitio.
“La invitación surgió a partir de la gira de “El otro Galileo”, más precisamente en el año 1997. A partir de esa gira surgieron contactos, y cuando les comenté que teníamos un espectáculo de tango nuevo, nos invitaron”, cuenta Alejandra.
“Vamos a hacer dos cosas distintas, por un lado, vamos a formar parte del ciclo del verano, en la sala de Badajoz, en el Teatro Municipal, su director, Miguel Murillo, está enamorado de la dramaturgia argentina, y cada año lleva algún elenco. Siempre las posibilidades son para Buenos Aires y esta es la primera vez que un elenco de Rosario va a participar. Y por otro lado vamos a estar en gira con la gente de la Serena Teatral para el Festival de Extremadura”.
Tal y como lo definen sus protagonistas Bésame en la boca es “ un espectáculo musical teatral, construido con canciones entrañables del repertorio popular que sirven para hablar y reflexionar acerca de los besos. Esa maravillosa forma de comunicación de los seres
Humanos”, un verdadero orgullo cultural que representará a la ciudad de de la mejor manera posible.

Canto
Alejandra Zambrini
Violín y Arreglos
Guillermo Copello
Piano
Lucas Querini
Dirección musical
Carlos Casazza
Vestuario
Roxana Ciordia
Diseño Iluminación
Saturnino Peñalva
Gráfica
Carlos Verratti

viernes, 7 de agosto de 2009

El Diario Privado de Adán y Eva

La conjunción perfecta de dos ases del espectáculo,volvió al teatro Broadway. China Zorrilla y Carlos Perciavalle otra vez en Rosario. El público de pie, agradeció tanto talento.


Sin lugar a dudas El diario privado de Adán y Eva, se ha convertido en la más exquisita muestra de arte, que de la mano de estos dos actores, se ha logrado en los últimos tiempos. China Zorrilla y Carlos Perciavalle se unen en escena para representar una comedia sesgada por el humor y la emoción.
Este clásico literario, basado en un texto de Mark Twain, realiza un repaso por las más curiosas y simples características que definen a ambos sexos.
Adán y Eva recorren sus vidas en el momento mismo de la creación, hasta llegar al último suspiro.
En el comienzo estaba sólo Adán junto a los animales y las plantas. Con la llegada de Eva la complicidad en la historia juega un papel fundamental.
La ingenuidad y la picardía exponen lo mejor de sí, para que cada detalle se reconozca como en la vida misma.

El musical cuenta con el acompañamiento del pianista de tan sólo 20 años, Martín Piegari. Ambos actores uruguayos, entonan las letras de canciones que relatan paso a paso cada uno de los encuentros y desencuentros de esta primera pareja sobre la faz de la tierra.


Opuestos y complementarios
Las diferencias entre Eva y Adán agregan el condimento infaltable a esta mágica historia.
Eva ridiculiza a Adán frente a sus ansias de descanso y holgazanería, en tanto Adán refiere a la impaciencia, charlatanería y constante inquietud de esa nueva persona que desde su llegada no se ha despegado de él.
Cuando Eva muerde la manzana, ambos son despojados del paraíso y comienzan a transitar una vida distinta. Las complejidades se tornan moneda corriente, y la llegada de los hijos y nietos los acerca hacia el fin de sus días.Finalmente imbuidos en una emoción extrema, la reflexión de Adán sale a escena para coronar la historia, " Me pareció tan horrible que nos echaran del paraíso, pero eso no tenía ninguna importancia, porque donde quiera que estuviera Eva, ahí estaba el paraíso".
La maravillosa China Zorrilla y el inefable Carlos Perciavalle logran convertir desde las tablas algo más de una hora en un verdadero paraíso, como lo hicieron por primera vez hace un poco más de 25 años.

lunes, 13 de julio de 2009

No gana para disgustos

Hace más de quince días rondan los programas de chimentos sin permitirse un descanso. El Ogro Fabbiani y sus botineras, forman parte de la noticia del momento.

Su reconocido encanto por las mujeres tanto como por la comida ya no es noticia. El Ogro Christian Fabbiani se ha convertido en uno de los actores favoritos del escenario del espectáculo por estos días. Pero no es su profesión la que lo tiene en las portadas sino su tan alocada vida sentimental.
En un primer momento se trató de Amalia Granata, (la rosarina que juró haber mantenido una relación con Robbie Williams) con quien vivió una fugaz relación, y de la cual nació la pequeña Uma.
Granata se encargó de dejar en claro cual es el rol que cumple el futboller en la vida de su hija y por que no unas cuantas características que lo hacen un tanto más popular.
Al parecer el Ogro, es bien conocido por mantener numerosas relaciones a corto plazo.
Y bien claro es el ejemplo con la blonda modelo, ya que no fueron más de quince días los que estuvieron juntos antes de concebir a su primogénita.
Tras una separación llena de frustraciones y resentimientos, Granata y Fabbiani se distanciaron, logrando una mínima y hasta forzada comunicación debido al vínculo familiar.
Hoy por hoy y luego de testear tantas otras modelos, actrices, locutoras, y simple mujer se le cruce ante sus ojos, el jugador millonario encontró el amor.
Quien se encargó de robarle el corazón es la otrora tenista Victoria Vanucci.
Se habló de embarazo, se hablo de casamiento y se sigue hablando de esta relación.
No sabemos cuanto durará, pero por el momento llena los espacios en los programas de chimentos.
Victoria Vanucci conoció al Ogro mientras realizaba la conducción de su programa programa de entrevistas “Ver”, que se emite el canal de cable C5N.
El encuentro se llevó a cabo en el mes de marzo y desde aquel momento ambos iniciaron una relación.
Durante el reportaje, que duró casi dos horas, el “Ogro” no eludió ninguna de las preguntas de la modelo de la agencia de Leandro Rud. Y sin reparos habló de su relación con su ex, Amalia Granata (27), con su hija, y de sus dificultades por bajar de peso.
Al parecer el futbolista buscaba una chica de barrio, y la Vanucci ni lo dudó.
Tres meses después salió un embarazo a la luz. El Ogro no tardó en confirmarlo, mientras que Victoria nunca sostuvo un sí.
Muy sutilmente la vedette daba a entender que las posibilidades de que existiera una pequeño en su vientre eran posibles, pero es verdad también que el sí jamás se desprendió de su boca.
Pero esta semana la noticia fue otra. Si bien los test de embarazo confirmaban la presencia de otro heredero del Ogro en camino, los exámenes de sangre dijeron lo contrario. Según el propio Christian, Victoria sufrió varias descompensaciones en Los Ángeles mientras grababa para Electro Star, lo que hacía suponer que eran síntomas propios de su embarazo.
Finalmente lo cierto es que este rumor no sido otra cosa que parte de una campaña mediática que la vedette protagonizó y Fabbiani apoyó para promocionar la nueva labor de la modelo, formar parte de Electrostar, las Spice Girls argentinas.

martes, 7 de julio de 2009

Enamorada de la música




Con una cuota de complicidad y total entrega de espontaneidad, la artista rosarina Silvina Garré, abrió las puertas de su universo, envuelto de sensaciones sencillas pero profundas, en esta simple entrevista.

Lejos de sentirse un icono legendario de uno de los géneros musicales más abordados de la Argentina, como el rock, la cantante y compositora rosarina Silvina Garré se define simplemente como “alguien que ha recorrido un largo camino pero que aún tiene mucho por hacer”.
Es la sencillez y la nostalgia la que envuelve la personalidad de esta artista que con cada palabra retrata la mirada de una mujer hacia lo interior y verdadero de cada ser.
“No me siento un icono del rock nacional, eso me suena a algo que no tiene posibilidades de cambio, de seguir haciendo cosas, como una cosa estanca. Eso más bien sería el final de la vida, o quizá de una carrera; o alguien recordado después de muerto. Pienso en esos grandes homenajes, tardíos, a los artistas y me da la sensación de que ya no hay más nada por hacer”.
Pero una trayectoria musical como esta no se consigue si no es a base de años de trabajo y una gran cuota d e talento, “soy una persona que ha trabajado mucho y que hace muchos años que estoy cantando, y haciendo canciones. Aún así, todo el tiempo estoy buscando nuevos proyectos y nuevas cosas que me entusiasmen. Realmente soy muy entusiasta y enamorada de mi trabajo”, afirma.


Música para vivir
Si de entusiasmo se trata no es otra que la misma música la encargada de elevar el sentido de las acciones en la vida de esta artista, quien desde los tres años la reconoce como propia: “La música siempre me entusiasmó, es los único que no ha dejado de entusiasmarme, así también la posibilidad de poder seguir haciendo lo que me gusta. Tocar con buenos músicos, tener posibilidades y proyectos con otros artistas. Me entusiasma poder tener inspiración, deseos de escribir y componer canciones”.
Interpretar y crear son grandes privilegios, con los que cualquier artista sueña. Sin embargo no todos tienen a flor de piel la capacidad para sostenerlos y establecerlos en la práctica.
La fuente de inspiración
Tras ocho discos como solista, Silvina Garré no se detiene, y hoy por hoy, continúa manteniendo intacta su fuente de inspiración.
“No sé exactamente cuál es la fuente de inspiración. Soy una persona sin interés por lo externo. Me interesa mucho más la realidad interna que la exterior, entonces creo que en la medida en que uno se vincula con los demás y vive historias y tiene también capacidad de escuchar y observar. Siempre hay algo para contar, y siempre se van a provocar transformaciones internas y movimientos. Son los vínculos humanos lo que más me interesa con todo lo que eso implica. Y por eso también me interesó la psicología”.


Una mirada al interior
Silvina no sólo es cantante, autora y compositora, además es psicoanalista.
Y este no es un dato menor, ya que el vínculo que une sus diferentes profesiones está íntimamente estrechado y manifiesto en cada una de sus creaciones.
“Mi fuente de inspiración tiene que ver con ese mismo interés sobre el funcionamiento del organismo del hombre. Me gusta el psicoanálisis dentro de la psicología, y a su vez creo que está muy relacionado con el arte. Para mi más allá de que se sabe ciencia es también es un arte de la interpretación, y esta tiene que ver con la música y con saber escuchar. Ambos, música y psicoanálisis, tienen la capacidad de transformar, una vida, una realidad. Creo que hay mucho punto de conexión”.


Regenerar y regenerarse
Parte del proceso de constante superación, es manifestar los cambios necesarios en tiempos y espacios correctos. Silvina hace hincapié en este sentido y argumenta “Creo que siempre esta presente la capacidad de transformación. Por eso creo en la capacidad de transformación del arte, siempre es necesario cambiar. Hay cosas esenciales de mi adolescencia que yo no he cambiado. Determinadas formas de ver la vida, pero sí la posibilidad de modificar eso que duele, o aquellos que nos permite ser felices. Creo en eso si no creo en la posibilidad de cambio creo que la vida no tendría ningún sentido”.
La vida otorga permisos que si saben aprovecharse pueden convertirse en acciones invaluables.
Cuando Silvina comenzó a dibujar su historia artística compartió con su público en ese entonces el primero, el escenario del teatro La Comedia, en la ciudad de Rosario. Hoy mucho tiempo después volvió a ese mismo escenario convirtiendo uno de sus anhelos en realidad, volver a esa misma escena, pero esta vez acompañada por otro artista, Nito Mestre.
“El primer recital que vi en mi vida fue el de Sui Generi, entonces cantar con Nito tiene una fuerza especial”.
Además de concluir una gira por todo el país junto a Nito Mestre, Silvina Garré tiene entre sus proyectos editar un libro de poesías, el segundo. El anterior fue editado en el año 1993.
Otro de los objetivos a corto plazo es continuar los conciertos con la banda presentando “Canciones sin tiempo”.


Rosario, mi ciudad
“A Rosario la veo muy transformada. En realidad no puedo ser muy objetiva porque es mi ciudad y allí está la mayor parte de mi familia, mis amigos. Rosario es mi ciudad donde nací, crecí y empecé a cantar. Para mí siempre va a ser hermosa, más allá de que también recibo comentarios de gente que no tienen una ligazón afectiva con la ciudad y también reconoce lo linda que está”.



Nito y Silvina
“Esta idea surgió porque tenemos un productor con el que trabajamos cada uno por su lado. Un día nos llamó y nos preguntó si queríamos cantar juntos. Y dijimos que si enseguida. Ahí nomás ya estábamos tomando un café y charlando de como armar todo.
Nosotros habíamos trabajado hace unos años en un disco de Nito, y después cada tanto nos encontramos de casualidad, pero nunca habíamos planteado hacer un trabajo en vivo y surgió esa idea y ni lo dudamos. Y fue una cosa tan sencilla. Somos muy afines en muchas cosas, en la forma de trabajar, en los gustos musicales y fue todo fácil y lindo el repertorio el ensayo. La sensación que tuve fue que hubiésemos trabajado juntos hace muchos años”.
Entrevista para Revista ADN

miércoles, 24 de junio de 2009

Misterio, humor y ternura



A cargo del director Marcelo Mainini, el grupo de teatro Una de miedo lleva a delante la segunda temporada de El exitoso fracaso de Franki Einstein.
A la historia original de Frankenstein, escrita por Mary Shelley en 1.816, desde su posición de director, Marcelo le sumó acorde con estos tiempos, la crítica a la TV y la situación de uso y rechazo de aquel diferente (Franki), definiéndola como una historia fascinante que puede ser comprendida dentro del movimiento romántico y que deviene una profunda crítica al cientificismo de la sociedad moderna.

Según plantea Mainini, citar al público infantil implica determinar una jerarquía, es por ello que catalogar este espectáculo en ese género lo delimita.
“La obra fue pensada para chicos y grandes. Es un espectáculo que intenta acercarse a la historia tradicional desde una mirada de niño. Esta elección me dio mucha libertad y posibilidad de vuelo, así como el responder a la necesidad de no perder vínculo con los chicos desde otra perspectiva. Uní un poco de todo: mi acercamiento a los niños, mi amor por el teatro, mis ganas de coordinar y dirigir un proyecto teatral y mi faz educativa”, comenta el director.
Interpretar
Cómo en toda producción teatral el fin último recae en lograr una interpretación de aquello que se vio. Particularmente en Franki, como la llama su creador, la búsqueda está encaminada hacia diferentes posibilidades de entrar e interpretar la obra. “El intento es de que el espectador pueda identificarse con Franki y su ingenuidad, su ternura y ser crítico con un medio que a veces por el egocentrismo (su madre, científica y creadora) y otras por la necesidad de negociar todo (la TV) usan a Franki y lo retornan a una profunda soledad. También hay esperanza, y esta tiene que ver con la amistad y la niñez”.
Elenco
Uno de los factores que más importan a la hora de presentar un producto en escena es la relación y los vínculos establecidos entre los pares.
Esta producción cuenta con un grupo de actores que realmente disfrutan de realizar este trabajo y eso queda claramente demostrado sobre las tablas.
“No es fácil elegir, muchas veces tienen que ver con horarios y disponibilidades. Esta vez apunté primeramente a cualidades que tuvieran que ver con la humildad y la entrega, la buena predisposición para el trabajo grupal. Sobre esa base y con algún recorrido en lo teatral como el grupo tiene, se puede construir un proyecto. Si no existe ese equilibrio, difícil. El tema de ser profesor trato de que no moleste mucho, ya que hay que diferenciar lugares y roles. Para mi la convivencia es crucial y siento que con este grupo, “Una de miedo”, disfruto cada encuentro así como también el crecimiento que observo en cada actor. También intervienen dos chicos de 9 y 10 años que aportan mucha frescura y a veces nos dan clase desde las ganas y seriedad que ponen”, sostiene Mainini.
Prueba superada
Levar adelante un producto que será evaluado por chicos, no es tarea fácil.
Llegar a estos espectadores, y generar sensaciones a través de una puesta implica una gran entrega por parte del grupo teatral entero, en este sentido y haciendo hincapié en la espontaneidad como juez, sostiene, “El desafío fue combinar misterio, humor y ternura, y fortalecer todo lo que sea acciones y riqueza de los personajes, que yo veo en cierto delirio mío, muy tendientes a una estética Tim Burton. Ese mundo es el que me interesa indagar en el teatro. En el cual es posible ingresar mágicamente. Hacia allí va mi trabajo. Tengo la oportunidad de recibir aportes de algunos chicos con posterioridad y cuando ya pasó un tiempo y me doy cuenta de qué les llegó más y qué preguntan a sus padres y esa mirada es la que más rescato para seguir construyendo. Son más críticos y auténticos y también menos rebuscados que muchos adultos”.


En la producción:
Franki: Matías Cingolani
Dra. Enstein: Jesica Bacchi
Productor Gómez Tarugo: Sebastián Soto
Lulú y Perserguida: Paula Viel
Juan: Alan Moya
Rafael: Lautaro Oviedo
Fedor el acordeonista: Lautaro Fosco
Dirección: Marcelo Mainini

lunes, 8 de junio de 2009

La Timba


..... Si la primera y la segunda parte te interesaron, no dejes de ver la tercera.....

La Saga Teatral Argentina Arde relata hechos teñidos por la ficción de aspectos que hicieron de la historia nacional, un espectáculo para ver e interpretar.
Una mirada irónica y disparatada sobre un país que eternamente está por ganar un mundial o que será destacado en algo, pero como dice el tango: “Por una cabeza qué importa perderme mil veces la vida, para qué vivir”.
Hace menos de un año, la cartelera rosarina presentaba "El secreto" y "La Transa", dos episodios continuos que relataban argumentos visibles, con un gran contenido a develarse de fondo.
Pablo Fossa es el encargado de dirigir esta puesta que, siguiendo la línea de los dos episodios anteriores, pretende invocar la mayor atención posible del espectador.
Tal y como ocurre en las dos presentaciones, esta producción intenta establecer la gran contradicción que sólo personajes como estos llegan a generar: la simpatía de la astucia y el desprecio por lo ruin.
La timba se estrenó en el Teatro La Morada, San Martín 771, y pretende continuar en escena todos los viernes de junio, julio y agosto.
En este episodio, la interpretación actoral es de Juan Pablo Yevoli, Gustavo Sacconi, Maximiliano Fonseca, Milagros Alarcón, Adriana Sánchez y Mayra Sánchez.
Fossa es el responsable de la dramaturgia junto a Juan Pablo Giordano, mientras que el vestuario está a cargo de Roxana Ciordia y la asistencia de producción recae en Paula Viel.
Data
En La Timba están presentes algunos de los tristemente célebres personajes que integran parte de una especie de "árbol genealógico", al estilo de la escritura de Roberto Arlt.
Máximo Necio, ahora candidato a senador, finalmente ha abierto su casino, financiado por José Pérez ("El Brujo"), mientras Gregorio oficia de jefe de custodia de la flamante sala de juegos.
El objetivo de este grupo de teatro va más allá del entretenimiento. Generar una nueva sensación a través de lo representado, es una de las premisas que con la actuación de por medio, ese producto intenta establecer.

Música para todas las edades




Gente joven y ganas hacer música, se conjugan en una de las bandas rosarinas que promete explotar su máximo potencial. Rock, funk y hip hop se suman a esta apuesta y Asilo, sale a jugar.


Basta que una canción suene el radio para que de la mañana a la noche las bandas ocupen su lugar en el mercado musical.
Asilo es una banda rosarina que no está alejada de esta realidad y a paso firme se va abriendo camino con su tan sonado hit “Ella”.
“Es una realidad que a partir de que un corte suena en las radios el acceso a la gente se simplifica, claro que esto nos llena de alegría y nos da energía para seguir adelante”, comenta Sebastián uno de los integrantes de esta banda, quien a su vez es el hermano del cantante.
Y es que todo queda entre amigos, ya que Asilo es un grupo formado por chicos que en su mayoría se conocen desde siempre; que compartieron el mismo barrio; y como no podía ser de otra manera el mismo sueño: cantar.
“Arrancamos en el 2004 con Matías (el cantante) y otros chicos, se fueron agregando integrantes. Fue una búsqueda de músicos constantes”, comenta José.
Género musical
“Hacemos rock fusionado con reagge y funk, pero lo vamos variando de acuerdo con nuestras necesidades y las de la gente, y sobre eso creamos”.
La búsqueda gira en torno a encontrar un sonido propio, y en base a esto las fusiones in corporal géneros que se integran dando forma a esta estructura musical.
“Creo que la clave de nuestro trabajo es esa, mezclar y crear. El corte “Ella”, tiene una base de hip hop, donde pudimos contar con Pablikoman, conocido por haber trabajado con grandes como Gustavo Cerati o Intoxicados”.
La banda ya tiene varias presentaciones en su haber y una agenda que día a día se va llenando de shows en lo que va del año.
El máximo objetivo de los chicos es grabar un disco y proyecto que comenzará a plasmarse para fin del 2009.
Por el momento la intención está puesta en continuar expandiendo su música, generar un vínculo mucho más estrecho con sus seguidores y acrecentar la aceptación de la gente a este rock salido de un barrio de la ciudad de Rosario.


BANDA
Seba Indaco, guitarra&coros.
Palito Pueblas, Bateria
Maxi Gaggini, guitarra
Mati Indaco, voz
Jose Moni, bajo.

viernes, 29 de mayo de 2009

Fama y descontrol





Muchas de las estrellas que aparecen en la televisión, admiradas por los chicos e incluso por los mayores, han comenzado su vida artística desde muy pequeños.
El maravilloso mundo de Disney es la compañía que recluta y arma estos “productos” que se convierten en éxito seguro.
El famoso Club de Mickey Mouse, producido por Walt Disney Productions incluía regularmente un reparto de artistas adolescentes.
Fue así que en su sexta y séptima temporada, artistas como Britney Spears, Christina Aguilera, Justin Timberlake, JC Chasez, Keri Russell y Jessica Simpson formaron parte del show.
Desde aquel momento, el futuro para estos pequeños ya no fue el mismo.
Los contratos como actores y/o cantantes irrumpieron en sus vidas, cambiándolas para siempre.
De esa manera la fama no tardó en llegar, y consagrándose como cantantes y actores reconocidos estas nuevas estrellas llegaron a la fama.
Aparentemente mantener una vida sana junto al vertiginoso mundo del show business, no es posible, ya que estos artistas en su gran mayoría se ven en algún momento de su vida envueltos en episodios para nada dignos de admirar.


Un claro ejemplo de esto es la otrora princesa del pop, Britney Spears.
Britney está llena de escándalos y excesos, que la llevaron casi a la decadencia, a una imagen completamente alejada a la de esa inocente niña que cantaba con uniforme escolar.
Sus primeras coreografías mostraban a una niña bien portada, con minifaldas tableadas y una imagen angelical y que al paso de los años se convertiría en todo un símbolo sexual.
Esta princesa nunca pensó que la fama le cobraría su estabilidad emocional y la encaminarían al consumo de drogas y alcohol. Los grandes éxitos musicales fueron opacados por diversos escándalos y su manera incontrolable de manejar sus adicciones y descensos emocionales, por lo menos hasta hace dos años.
Las adicciones cambiaron su vida, la encaminaron a diversos escándalos como el matrimonio y divorcio después de una noche de copas.


Hoy pretende retomar su carrera musical y dejar de ser una burla mundial.
Otro de los ejemplos de la lista es la joven Lindsay Lohan, un producto más de esta marca.
La actriz y cantante de roja cabellera se ha convertido en el ícono de la indisciplina.
Si bien la chica sólo cuenta con 20 años, su prontuario parece no encajar en tan corto plazo.
“Juego de gemelas” la llevó al la fama y otras incontables películas de la firma Disney, tallado una imagen de picardía e ingenuidad propia de la niñez.
Sin embargo desde que el alcohol se topó con ella, ya nada en su vida fue igual.
La historia personal de Lohan comenzó a desmoronarse. Internación por excesos, escándalos mediáticos, lesbianismo y rebeldía son las bases que estructuran a esta actriz.
Al parecer las historias se repiten con la mayoría de las niñas. El precio de la fama es demasiado elevado y estas criaturas no logran hacerle frente. La debilidad acrecienta sus sentidos o simplemente se relajan y prueban lo que no deberían. Lo cierto es que tanta gloria termina con sus vidas, y ese mágico mundo ideal se convierte abruptamente en el más siniestro de todos.

martes, 12 de mayo de 2009

Volvió Marcelo



Los contenidos son los mismos, y la gente que lo rodea también. Esta vez, tras cumplirse 20 años de permanencia en la pantalla chica, Marcelo Tinelli apostó a reunir a todo “el personal” que desde 1999 trabajó con él en Telefé y Canal 13.
La propuesta siempre es la misma: sketchs, cámaras ocultas, bailes con gran exposición de desnudez y cazatalentos de niños, como objetivo de rating.
Durante estos años, el programa de televisión recorrió los horarios de la tarde noche y también los días de semana.
Compitió, perdió y ganó. Pensar en Tinelli significa remontarse a bailes despojados de ropas, y peleas mediáticas entre pseudos vedettes, en las cuales las siliconas no brillan por su ausencia.
Sin embargo, y aunque lamentablemente al público esto último le haya causado interés, el éxito de este conductor radica en las humoradas bien logradas de un equipo que ha sabido trabajar en conjunto varios años atrás.
Y esto es precisamente es lo que ShowMatch preparó para el festejo de los 20 años.


Reciclaje
De esta manera el “nuevo” show distribuye su programación de la siguiente manera.
Los días lunes y martes, son los elegidos para los comediantes con sus ya conocidas parodias, entre los que no podían faltar Pablo Granados, Pachu Peña, Carna, Campi, Freddy Villareal, José María Listorti, Waldo Navia, Raúl Larry De Clay , Roberto Peña, Sebastián Almada, Toti Ciliberto, Fernando Pichu Straneo, Martín Bossi, Yayo Guridi, Diego Korol y el Turco Naim Sibara.
Los Taxi Boy, los Tangueros, Deportes en el recuerdo, cámaras ocultas y otras tantas parodias más forman parte de este combo que mezcla humor y nostalgia en este repaso del show.
A esto se sumó desde la segunda semana en lo que va del ciclo, una propuesta que en el marco electoral tratará de llamar la atención de los televidentes, Gran Cuñado.
Aquí, en una mezcla de humor e ironía, los políticos caracterizados ingresan a la casa.


Más de lo mismo
Otra de las propuestas de este programa tiene que ver con la competencia entre chicos. Tratando de innovar, Tinelli dejó de lado el patinaje, el canto y el baile, para caer crudamente sobre los más chiquitos.
Aquí será inevitable soportar las idas y vueltas entre los jurados Laura Fidalgo, Reina Reech, Carmen Barbieri y Miguel Ángel Cerutti, cuando cada jueves el certamen Bailando Kids, aparezca en la tv.
El comienzo fue exitoso, un pico de 41, 5 de rating lo dejó bien posicionado en este 2009. Un Gasalla simulando un sketch a lo Susana, hizo preguntas sobre su vida privada, instigando a la gente a querer conocer algo tan poco importante como su estado civil, compañías femeninas o cuanto chisme de su persona se diga.
Para la presentación, fue la serie Lost, quien sirvió de inspiración, y el conductor se encargó de discriminar el monto en producción invertido para tal fin.
Para bien o para mal, Tinelli volvió. Para prender la tele y hacer ruido en la casa, para sentarse a ver el programa, o para alimentar programas de chimentos con escándalos faranduleros. ShowMatch está de vuelta y la familia argentina, dibuja una sonrisa, acrecentando los bolsillos del productor con más guita a lo largo del territorio nacional.

Viernes de teatro



Bajo la dirección de Walter Operto, en el Centro Cultural La Nave, se lleva a cabo un Ciclo de Teatro Breve que tiene como anfitriones dos historias de la autora María Rosa Pfeiffer.
Con las búsquedas, dolores y sueños femeninos como base, los personajes ilustran sobre las tablas las circunstancias y momentos que tuvieron que atravesar a lo largo de sus vidas.
“Estas obras, tienen una duración de 30 y 40 minutos. Poseen en común la metáfora del mar como algo inalcanzable. Son mujeres que no vieron el mar por distintas razones: porque fueron contenidas por madres sobre protectoras, o simplemente, porque por distintas circunstancias de la vida no llegaron a ser felices”, comenta Operto.
Así la eterna búsqueda de la felicidad y la satisfacción de alcanzar los objetivos de libertad que toda mujer anhela, generan diferentes sensaciones permitiendo a los personajes realizar una búsqueda interna hacia el pasado.
“En la primera, Humo de agua, está muy clara la relación de una madre autoritaria con su hija, quien de alguna manera se entregó a esa moral y a esa energía La segunda de las obras se refiere al tema de la soledad, una muchacha que cumple 42 años y siente que está en la mitad de su vida, al realizar un balance y busca desesperadamente saber qué quiso ser cuando era niña, y qué es ahora refugiándose en el universo de los astrónomos de la medicina estética. Son como dice la autora obras de escritura femenina”.
Ambas producciones están dirigidas a un público muy amplio, desde los jóvenes hasta la tercera edad.
“Me interesó la dramaturgia de María Rosa Pfeiffer, porque es una autora que trabaja las atmósferas y climas, de alguna manera está hablando de nosotros: hombres, mujeres, padres, madres, soledades”, manifiesta con admiración el director.
La fusion entre el elenco y su director se conjuga en escena y queda manifestada en la satisfacción de ambas partes por el producto logrado.
“Me satisface como las actrices se entregaron a los textos, incluso la autora nos acompañó en una de las puestas y le gustó mucho. Estamos verdaderamente contentos con el trabajo”.
Las actrices de este espectáculo habían trabajado previamente con el género absurdo y según comenta Walter Opersto, sus actuaciones siempre fueron sujetas a un determinado texto. Es así como las ganas de las artistas de se dirigidas por Operto y las ansias de este por trabajar con un elenco las obras de María Pfeiffer, dieron en el momento indicado.
Finalmente Operto culminó con una de las apreciaciones más interesantes de la entrevista, “No apuntamos al entretenimiento, queremos que el espectador reflexione, se sienta vivo. Que la producción le descubra el alma, el corazón, y por sobre todo sus posibilidades intelectuales”, abriendo la invitación todos los viernes, a las 21 hs., en el Centro Cultural La Nave, San Lorenzo 1383.



Elenco: Carmen Russo, Carina de los Ríos, Fernandha Desanzo, Mariana Valci y Alfredo Molinelli.
Dirección: Walter Operto.
Asistencia de dirección: Mirna Remes
Dirección de arte: Marta Zonca
Diseño de luces: Natalia Operto
Autora: Desde 1980 María Rosa Pfeiffer viene desarrollando una intensa actividad en el país, como actriz, plástica, directora teatral, dramaturga y docente. Ha escrito más de 20 obras teatrales (para adultos e infantiles), de las cuales fueron estrenadas 15, y 5 publicadas.

domingo, 3 de mayo de 2009

Un Reallity de dibujitos


Que los reallity shows hayan copado los canales de televisión alrededor del mundo no es noticia. Pero que este tipo de atracción se haya expandido al mundo de entretenimiento infantil sí.
El canal de dibujos animados Cartoon Network, ha incorporado a su programación un reallity de cartoons denominado “La Isla del drama”.
Este show de versión animada, similar a Expedición Robinson, cuenta en cada episodio semanal las aventuras y peligrosos obstáculos que atravesar los integrantes para evitar la eliminación.
Pero no por formar parte de la grilla de una canal infantil el show está reducido a la interpretación de los más pequeñitos, por el contrario, tiene enredos y acciones dignas de una show televisivo común.
En La isla del drama, es un animador, que establece las reglas y pautas que los participantes deben acatar.
Por su parte los campistas divididos en grupos, llevan a cabo los juegos más arriesgados en cada episodio semanal.
Al ritmo de…. “yo quiero ser famoso”…un nuevo show que atrapa a los chicos y que pone en signo de alerta la atención de los padres.

miércoles, 22 de abril de 2009

Diez años de humor





Lo Lumvrise cumplieron diez años con el humor, y decidieron festejarlo junto al público que los vio nacer.
La cita fue en el Teatro Broadway el tercer sábado del mes de abril, en medio de una agenda sujeta a Buenos Aires.
Festejar los diez años se merecía un espectáculo singular y luego de su exitosa temporada en Mar del Plata la función especial llegó a Rosario.
Con un teatro a pleno, el show de los cuatro actores rosarinos repartió durante algo más de una hora sonrisas y carcajadas, reafirmando una complicidad con el público.
Diez años atrás
De manera fortuita y por suerte del azar. Nunca mejor definido el encuentro de estos artistas que hoy por hoy, forman uno de los grupos cómicos más jóvenes del teatro local.
“Con Pelu íbamos a la secundaria, él quedó en una productora y ahí lo conoció al Negro, quien estudiaba teatro con Beto. Al principio, hicimos un show para familiares y amigos en un bar, y de a poco nos fueron contratando de cumpleaños, casamientos, hasta que de un día para otro nos vimos en el Broadway”, define Pablo.
Hernán Cigno, Pablo, “Pachi” Fontana, Andrés Rovetto y Pelu Taborda integran este equipo del humor.
“El calificativo surgió, cuando, en búsqueda de un nombre encontramos un cartel en zona sur que justamente decía “venta de lombrice”. Nos causó gracia de la forma en la que estaba escrito, cuando Pelu llegó al ensayo, y propuso ese nombre agregando más errores de ortografía para que sonar a más gracioso, y quedó: a Lo Lumvrise”, cuenta uno de los integrantes.
Así, con un nombre que los identifica y con las energías puestas en compartir el género del humor, el grupo ya con formado, comenzó a actuar, para amigos y en bares, hasta que por el boca a boca, lo que empezó de a poquito se convirtió en una sala llena del teatro Broadway.
“os dimos cuenta que queríamos ser humoristas cuando hicimos callejeros en el 2001, en la ciudad de Mar del Plata. Nos propusimos ir de vacaciones un mes para hacer teatro en la calle, para ver si funcionaba y así poder pagarnos las vacaciones, y nos encontramos con que la gente iba todos los días a esperarnos en el mismo lugar para actuar. Gustamos y volvimos”.
De la mano del éxito
Lo cierto es que Lo Lumvrise, han compartido su propuesta con gran parte del país. Con sus shows han llegado a Santa Rosa, Ushuaia, Merlo y actualmente Buenos Aires, donde cada viernes y sábados en el Teatro Picadilly, Avenida Corrientes 1524, desde las 22.30. ”Estamos divididos entre Buenos Aires, Mar del Plata y Rosario. Queríamos festejar los diez años aquí, Rosario fue el mercado que nos dio el nombre y moríamos por estar acá”.
Con la escencia intacta, y el reconocimiento de años de humor, Lo Lumvrise festejaron a lo grande, “Estamos de festejo, estar acá es como estar reunidos con toda la familia”.

viernes, 17 de abril de 2009

“MI GRAN SUEÑO FUE SER ACTOR”





Liderar el prime time, y formar parte de un producto aceptado y celebrado por los televidentes, ha convertido a Mike Amigorena en uno de los talentos más reconocidos de la actuación nacional.
Este joven actor se reconoce desde sus inicios como un amante del arte, y es por ello que tras años de mucho trabajo disfruta libremente de la actuación, principal motor de su vida.
“La verdad es que es un orgullo muy grande, un regalo, después de mucho tiempo que le dedico mi vida a este oficio, tener la posibilidad de llegar de la mano de un producto, un proyecto super fino, con un elenco estelar, con una historia atrapante, lo que siento es una plenitud increíble. No puedo pedir más”, afirma el actor.

¿Querían a Mike? Ahora ya lo tienen….
Hace apenas quince años, y desde la provincia de Mendoza, Amigorena llegó a Buenos Aires para forjar con esfuerzo y dedicación el objetivo de ser actor, trabajar y vivir de ello.
Y los frutos no tardaron en llegar. En sus inicios la escena under se convirtió en la mejor forma de expresión y recorrido actoral, hasta que luego, el cine y la televisión hicieron de él un producto mucho más popular.
Así de un día para otro la trastienda de los teatros under pasó a transformarse en los camarines de un estudio de televisión.
Elegido por el productor Sebastián Ortega, Mike se puso en la piel de Martin Pells, el protagonista más atrapante de Los Exitosos Pells, que se emite por la pantalla de Telefé.
Cada noche Mike es Gonzalo Echagüe, un actor que debe hacerse pasar por Martín Pells, el conductor del noticiero Mega News, quien esta en pareja con la otra conductora Sol Casenave. Ellos son un matrimonio de conductores de noticias muy famosos y queridos por el publico, pero que en realidad son un gran “engaño”, un matrimonio por conveniencia, ya que el conductor no es lo que aparenta ser porque su vida pública es sólo una fachada construida por Franco Andrada, el dueño del canal y el gran manipulador de esta historia. Este “poderoso” contratará a este actor fracasado para interpretar y vivir la vida del Pells, sin saber, este hombre, que su nuevo trabajo esconde una gran farsa en dónde nadie es lo que dice ser y sobre todo…Las apariencias engañan.
“Al principio hice un trabajo de disociación, después sale solo. A medida que lo vas haciendo el personaje se te va haciendo más afín. A esta altura es como tan natural, si me lo preguntaban hace seis meses tenía más viva la experiencia, pero ahora quedan sólo dos meses para terminar y es como que ya no me doy ni cuenta...”

Amplia formación
Amigorena tiene los matices de un actor que ha recorrido diferentes géneros y no duda en volcarlos en esta participación.
Es común reconocer en él movimientos que ilustran un gran desempeño corporal y estético, que respetando las formas contribuyen a hacerlo totalmente diferente del resto.
Aquí, sus estudios teatrales, han sentado las bases para que llegue a su máximo nivel en escena, y no es ilusorio encontrar cierta semejanza con el actor internacional Jim Carrey, quien expone estas mismas características en los papeles que le ha tocado desempeñar.
Su personaje cuenta con matices que no han sido antes vistos en la televisión local, y sin lugar a dudas este fue el momento preciso para que él demuestre todo en un producto como el de Underground, la productora comandada por Sebastián Ortega, creadora de “Los exitosos Pells”
El reconocimiento del público se ha convertido en moneda corriente, y aprender a convivir con el éxito es una tarea de todos los días, “Es fantástico el trato con el público. Sí, me paran, me saludan, me agradecen, me felicitan. La verdad no hace otra cosa que reafirmar esto que siento, que es una gran felicidad. No me molesta para nada que la gente me pare en la calle, entiendo que hay momentos en los que se puede tornar incómodo pero es tan lindo porque es una consecuencia de lo que haces”.

Fuera de cámara
“En mis momentos libres me gusta no hacer nada .Eso es lo que más me gusta hacer. Me gusta tener tiempo para no estar ocupado”, comenta entre risas el actor, quien día a día mantiene una rutina abocada casi por completo al trabajo.
“Un día mío es bastante pesado porque empieza muy temprano. Tengo que estar a las ocho de la mañana grabando, así que me levanto muy temprano, desayuno, me maquillan todos los días y me peinan. Esto es rutinario, se te vuelve así, pero estoy doce horas en un canal, cuando salgo lo único que quiero es despejarme así que no tengo muchas actividades, solamente placenteras”, concluye.
Es curioso imaginar que aquel niño que en Maipú provincia de Mendoza, siendo hijo único jugaba trepando árboles en medio de un marco tan natural, que lo es hoy por hoy el espacio de un estudio de televisión o algún escenario teatral.
“Mi anhelo, mi gran sueño, siempre fue ser actor, vivir de eso y que la gente conozca lo que hago. También hacer música por el lado de Ambulancia. Con eso estoy más que satisfecho”.
Pero la seguidilla de éxitos parece no acabar, ya que haber captado la atención de Francis Coppola, no es un dato menos para sumar a la trayectoria de este extravagante actor y músico.
Coppola vio a Mike en la obra escrita y dirigida por Mauricio Kartun, “El niño argentino”, e inmediatamente recibió la invitación de Coppola para actuar en Tetro, la película autofinanciada que este realizador registró en Buenos Aires, y que contaba con la participación de actores locales con figuras internacionales.

Proyectos
Los exitosos Pells sin lugar a dudas marcará un antes y un después en la historia actoral de Amigorena, y es que la masividad del producto lo ha colocado en un lugar de privilegio para los espectadores.
En este sentido hay trabajos y proyectos que lo aguardan para cobrar sentido y salir a la luz, “En principio, tengo películas, una obra de teatro. Por el momento no puedo dedicarle tiempo otra cosa porque esto es muy sacrificado. Pero sí tengo proyectos de películas para hacer una con Luis Puenzo, un unipersonal, y con respecto a la música, seguir con Ambulancia”.

Se dice de mi….
Michael Amigorena, es de los artistas jóvenes el que más se atreve a romper patrones estructurados por la sociedad.
El uso de las polleras, la vestimenta de mujer al representar los espectáculos con su banda Ambulancia y las declaraciones simples que no buscan , al menos concientemente adherir posiciones lo llevan a ser visto como extravagante y ocurrente, “No me molesta que digan que soy raro, porque me considero de esa forma. No me molesta porque entiendo que puede verse así”.
Con el espíritu libre y lleno de una rebeldía particular, Mike Amigorena transita su vida, envuelta en la felicidad, que día a día le provoca nada más ni nada menos que la profesión que siempre soñó.
*Entrevista realizada para la Revista ADN

Llega " Días de Mayo"



Una vez más el realizador rosarino Gustavo Postiglione lleva a la pantalla grande una obra de su entera producción.
Esta vez la historia de amor se encuadra en un marco muy particular y a la vez totalmente diferente a sus otras realizaciones.
Sin caer en la estructura de un documental, Gustavo toma los hechos ocurridos durante el Rosariazo, un conjunto de protestas de estudiantes y obreros contra la dictadura de Juan Carlos Onganía, entre mayo y septiembre de 1969, para poder enmarcar la diégesis que narra esta nueva producción.

Tiempo de pasiones
“Es una historia de amor de dos jóvenes de ese momento, donde el contexto histórico es el Rosariazo. No se trata de una crónica de los hechos, al contrario, trabajo con una ficción, que es sin lugar a dudas lo que me permite ciertas licencias de aquella realidad”.
Para recrear esta historia fue necesario un gran trabajo de producción, recrear las movilizaciones así como las diferentes historias que se fueron grabando en cada escena requirió de una ambientación que reprodujera exactamente los sesenta.
Días de mayo no es un mero documental donde aparecen hechos cronológicos, sino todo lo contrario, se trata de una ficción, donde la historia pudo ser modificada y tomar forma de acuerdo a lo establecido por el director.
“Yo invento una ficción dentro de una historia mayor que es el Rosariazo, este existe como referencia en las movilizaciones y en las marchas recreadas, porque no trabajamos con material de archivo. Dentro de ese contexto real, creo una historia ficcional sin basarme en nada existente, para luego colocarla en ese contexto”, afirma Postiglione.
El idilio de los ideales, el romanticismo vivido a fines de los sesenta, y una gran fuerza por ilustrar un hecho histórico que tomó a la ciudad y a los rosarinos como protagonistas sedujo ampliamente a Postiglione para llevar adelante este proyecto:“La década del sesenta fue la última época romántica, el hecho de pensar que las cosas se podían cambiar y modificar a partir de ciertas premisas e ideales, y que las relaciones interpersonales podían modificarse por el contexto histórico, marcan mucho ese momento; hoy en cambio ya nadie se pelea con su pareja por una ideología, en aquellos años ese contexto unía o separaba las personas”.

Recursos fílmicos
El film esta grabado íntegramente en blanco y negro, permitiendo de esta manera facilitar la reconstrucción de la ciudad, la ciudad en términos de colores y estenografía.
Al mismo tiempo, agrega el realizador, “este recurso me lleva al recuerdo de los sesenta por la televisión y las películas de esa época, traslada a aquel momento, este momento histórico me lo imagino en blanco y negro.”
Otro de los elementos que hacen a la producción es la utilización de una pantalla panorámica, el cinemascope, de gran uso en los años sesenta, que le otorga una dimensión distinta a la imagen.

Sangre local
Los actores protagonista de esta película son rosarinos. Tal y como lo comenta Postiglione “fue una elección más que un casting, luego de analizar más de 800 curriculums en base a ciertos criterios, los protagonistas fueron elegidos”.
Agustina Guirado, Santiago De Jesús, Caren Hulten y Juan Nemirovsky son los cuatro protagonistas de esta historia.
Y como no podía ser de otra manera esta película cuenta con actores invitados de primerísimo nivel, Darío Grandineti, Carlos Resta y Antonio Birabent se sumaron a la propuesta.
Días de Mayo, cuenta con una banda de sonidos muy atractiva y difícil de ignorar, “Lito Nebbia me dio temas de Los Gatos y del 69´, grabó un tema de aquella época para la película e hizo una versión de La Balsa instrumental que utilizo para la escena de una fiesta. Además Antonio Birabent en su papel de un músico, interpreta una canción de su autoría compuesta íntegramente para esta película.”
Tras dos meses de ensayo, cuatro semanas de filmación, 25 días de rodaje y otros tantos de proceso de laboratorio, “Días de Mayo” llega al cine.
El estreno esta previsto precisamente para el 21 de mayo de 2009 cuando se cumplan 40 años del Rosariazo. Sin embargo el material fílmico ya fue presentado en el quinto encuentro cinematográfico argentino europeo "Pantalla Pinamar 2009" llevado a cabo en el Museo de Arte Latinamericano de Buenos Aires.
Días de mayo es una producción netamente nacional, que con el apoyo de todos buscara instaurar su marca en la pantalla grande.




*Entrevista realizada para la Revista ADN.

Calle 13 explotó en Rosario


Este martes, 14 de abril, una de las bandas latinas más populares se dio cita por segunda vez en la ciudad.
De la mano de Residente, el teatro Broadway se llenó de energía al son de Calle 13.
Sin desviarse del objetivo de presentar “Los de atrás vienen conmigo”, la banda recorrió las canciones más resonantes de su trayectoria.
“No hay nadie como tu” abrió el show, enmarcado en luces y sonidos que alimentaron el clima vibrante que durante mas de una hora atrapo la atención de todos.
De este modo y con un fuerte empeño por establecer su marca, Residente destacó su género musical como urbano, diferenciándose por completo con el pop y el reggaeton.
Deletreando varias palabras por segundo, los temas de Calle 13 ilustran las realidades de Latinoamérica y pasan por alto cualquier tipo de regla convencional que establezca patrones sociales.
Cantar lo que piensa, es el objetivo que mueve a este grupo, y según argumentan es el medio que les permite marcar sus propios códigos, los de la calle, a pesar de haber experimentado los de la universidad.
Así los mundos paralelos se mezclan haciéndose uno y generando este éxito que estos boricuas logra ron extender hacia toda América.

Residente es René Pérez, y Visitante es Eduardo Cabras, ambos apodos, tal y como lo comentan los propios artistas, provienen de la identificación que tenían que dar al guardia de seguridad para ingresar al sector El Conquistador de Trujillo Alto, Puerto Rico donde estaba su casa.
René es el cantante y escritor; Eduardo, aparte de ser músico y pianista, es también productor musical del grupo.
Residente y Visitante no están solos en escena, varios son los integrantes que hacen que Calle 13 desarrolle su show.
Y entre ellos la única figura femenina, pero no por ello menor es la de Ileana, hermana del cantante, que junto a movimientos tan sugerentes como extravagantes contribuye en las canciones con su voz.
Con tan solo tres años de permanenciua en el mercado de la música, detalle que Residente hizo notar en su show, Calle 13 se ha posicionado y adquirido un sin fin de admiradores que recorren desde las más bajas edades, hasta las más altas, ya que no importaron los bastones para que varios adultos escucharan rap hispano en la noche lluviosa del martes en Rosario.
Coros, aplausos, bailes y mucha adrenalina fue el resultado de este encuentro entre artistas y seguidores. Exaltación por parte de las fanáticas que subieron a escena a bailar al son de las canciones y alegría por parte de los muchachos que pudieron acercarse a Residente.

Calle 13 colmó las expectativas, y sus canciones seguirán resonando en la memoria de cada uno de los que gozaron de un show que seguramente volverá una vez más.

Con todos los sentidos




Con el fin máximo de entretenerse, cientos de pequeños en compañía de sus padres se hicieron presente en el Teatro Broadway, y es que en esta oportunidad la cita vino de la mano de los Hi5.

Estos cinco jóvenes cargados de canciones, coreografías, y una gran animación, desplegaron un show inolvidable en Rosario.
La función respeta la estructura televisiva del programa, y es este el plus que los actores generan en su público.
Hi5 es un programa infantil, emitido por la señal Discovery Kids.
Creado en la televisión como show de entretenimiento educacional; permite a través de la música, los movimientos y los colores, acercar a los niños al aprendizaje mientras se divierten.
Ya que el programa no sólo persigue el objetivo de divertir y entretener, sino que además contribuye a la educación de los menores educándolos en determinadas áreas.
De esa manera las canciones y relatos están cargados de enseñanzas tales como, reconocer desde los colores y los números, hasta los animales y puntos cardenales.
Con los “cinco sentidos” los niños recorren el mundo entero, aprehendiendo las costumbres y hábitos de sus iguales alrededor del mundo.
Así Jenn, Kimmie, Shaun, Curtis, Karla y los reconocidos puppets Chats y Jup Jup, representan un espectáculo vibrante de luz, sonido, movimiento y color.
Con la diversión como hilo conductor, los cinco chicos desarrollaron una historia dividida en dos fragmentos.
Para insertar a los pequeños en su mundo, los Hi5 utilizan la interacción como recurso principal, atrapando durante toda la tarde la total atención de la gente.
El recorrido por las canciones más populares fue determinante, y de esta manera “el robot”, “animales”, “tres deseos”, y otras tantas canciones, hicieron mover a todo un teatro.
Luz, movimiento, gran colorido en escena, canciones y coreografías se preparan para dar contenido al estreno teatral más esperado de la temporada.
"Hi-5" Cinco Sentidos", se despidió de Rosario, cumpliendo con su objetivo, hijos felices y padres complacidos.

viernes, 3 de abril de 2009

Jumping Frijoles


Bajo la dirección y coordinación de Cristian Marchesi, un vasto grupo de actores se presenta cada jueves y sábado en la ciudad para representar un género distinto y atrapante en los escenarios.
Para los que aún no los conocen...
“El Club de Improvisación, The Jumping Frijoles, hacen el Match”, bajo este lema dos presentadoras dan inicio al partido que tendrá como participantes a dos grupos de actores que buscarán hacer reír al público durante más de una hora.
En un primer lugar y antes de que el grupo suba a las tablas, se les reparte a todos los presentes papel y birome para anotar cualquier idea, desde la más simple a la más absurda para que luego, ya en escena y por obra del azar cada grupo represente una historia con aquellas ideas como punto de partida.
Este espectáculo brilla en escena, y la actuación de los chicos es el condimento fundamental para que el grupo logre su cometido.
De esta forma la competencia va cobrando forma.
Los grupos se identifican con colores, y es el público quien, con porras mediante selecciona al ganador de cada partida.
Pero no se trata de representaciones comunes y corrientes. Estas se encuadran en diferentes tipos de improvisaciones que se establecen minutos antes de cada puesta.
Estas incluyen géneros cinematográficos: Película de Terror, de Acción, Policial, Romántica, de Época, Cine Mudo, etc., formatos televisivos: Telenovela, Venta Directa, Zapping de TV, Crítico de Arte, etc., y estilos narrativos:Cuento Ilustrado, El novelista, Elige tu propia aventura, etc.
Recientemente el grupo ha adquirido a su lista, Idiomas: donde los espectadores eligen la lengua en la cual van a improvisar; y Cambio de géneros, donde los chicos ocupan el lugar de las chicas y viceversa.
Así y con cinco segundos para crear y acordar la trama que mostrarán a los espectadores, los actores desarrollan las más desopilantes y atractivas escenas en tiempo real.
Lo cierto es que el éxito que estos chicos protagonizan, no se adquiere de un día para otro. Si bien el talento es una de las bases para esta estructura, horas de ensayo y preparación forman parte del entrenamiento de estos profesionales.
The Jumping Frijoles monta este espectáculo desde el año 2000, y ya han cosechado más de 400 funciones desde aquel momento.
Actualmente se presenta todos los jueves a las 23, en Berlín, y los sábados en Café de la Flor desde las 22, 30.
Los Jumping son: Alejandro García, Camila Olive, Camila Perochena, Celeste Cena, Daniela Martinangeli, Facundo Roldán, Florencia Alvarez, Franco Pugnaloni, Germán Basta, Gisela Sogne, Homero Chiavarino, Juan Pablo Biselli, Juan Pablo Yevoli, Leila Esquivel, Luciana Tamburello, Lucila Valfosca, Lucrecia Panzia, María Eugenia De Rosa, Marcela Ruiz Alvarez, Matías Tamburri, Nicolás Cefarelli, Romina Tamburello.
Asistencia de dirección y producción ejecutiva: Yanina Zonni y Vanina Rial

Dirección general: Cristian Marchesi

lunes, 23 de marzo de 2009

"El que no ha amado no ha vivido"




De fuerte impronta, con la mirada quieta, penetrante y los versos a flor de piel, Alfredo Félix Alcón Riesco hace suyo cada escenario, dejando una huella para siempre.
En la vida de Alfredo la actuación apareció como un juego inocente que luchaba por salir y expresarse, “de pequeño tenía una curiosa costumbre, no sé de donde surgió, a la siesta, cuando en mi casa dormían, subía a la azotea, y me disfrazaba de algo con alguna cortina que hubiera para lavar, hacía juegos, pero lo curioso es que no me gustaba que nadie me viera”, de esa forma la vocación dio sus primeros pasos y aquello que para este niño era un juego, parecido a una representación, pasó a ser teatro.


Desde su expresión las palabras devenidas de Alfredo van cobrando un sutil encanto que envuelve el diálogo en versos e historias relatadas de modo natural e ilustrado.
“Es un misterio el origen de una vocación, creo que las cosas fundamentales de la vida, las que realmente modifican y nutren la vida de una persona, son misteriosas. Encontrar la respuesta al porqué amar a una mujer y no a otra, si aquella es más linda, más buena… podes explicar tonterías, pero las cosas esenciales son un misterio”.
Sin dudas el papel más interesante en la vida de este actor es el amor. Este es el motor que impulsa a concretar los objetivos, “es un hecho fundamental trascenderse a así mismo, querer necesitar a alguien es una experiencia que te hace crecer y al mismo tiempo te da mucho miedo, como todas las experiencias trascendentales, creo que el que no ha amado, y el que no ha necesitado a alguien es alguien que ha vivido poco o mal”.
Amar es para Alfredo su condición existencial ya que se reconoce como un eterno enamorado, sin embargo el trabajo no se encuadra en este aspecto, ya que para él, éste representa una necesidad de contar cuentos que de alguna manera le permiten intuir los diferentes misterios de las cosas y compartirlo con los demás.
De todos modos el actor admira con orgullo la capacidad de pasión que representa la vida, “no puedo expresar lo que significa estar vivo con una simple palabra, debería utilizar una interjección para ello, es como ¡guau!”, sostiene.

Teatro, cine y televisión

Para Alfredo actuar es contar cuentos y la diferencia entre los formatos, visuales o teatrales radica principalmente en el público “cuando ves una película estas viendo una foto, y vos como espectador no la podes modificar, en el teatro un movimiento mental, puede mejorar o estropear una función, porque la función de teatro se hace entre los dos entre los que están abajo y los que están arriba”. El artista sostiene que ambos tienen la misma cuota de creatividad, lo que ocurre en el escenario y el público, entre el pensamiento del poeta, del gran autor y del público.
“Lo malo del teatro, del cine, de la vida, es el día en que te levantas y estás exactamente igual. Yo creo que las grandes obras, escuchar el pensamiento de un gran autor, le dan verdadera alegría a la gente, y por eso me gustan tanto, mas allá de que existan otras tantas que bombardeen y logren estupidizar a un público”.
Al mismo tiempo el actor afirma que no existen obras para distintos públicos o sectores sociales, considerar esto es caer en el fascismo, donde se piensa en que el pueblo debe entretenerse con trivialidades, y sólo una minoría exquisita puede acceder económicamente a los grandes obras, “creo que popular es Mercedes Sosa, es Troilo, es Pugliesse, Fito Páez y lo otro es querer rebajar al pueblo a populacho a masa, a masa que no piensa”.

El señor de los clásicos
En su lucha por elevar el sentido común, Alfredo Alcón trae a la luz que las grandes obras se caracterizan por ser populares, “cuando Lorca hacía teatro con sus compañeros de universidad en España iba por los pueblos, llegaba a lugares donde la gente no sabía leer ni escribir, donde jamás habían ido al teatro, no le llevaban esas grandes obras que se autotitulan para la familia, como si la familia estuviese constituida por idiotas, sino que le llevaba los grandes textos del siglo de oro español. Ese es el lenguaje que al pueblo se le ha sido arrebatado, se ha tratado que el pueblo no piense, y esto se encuadra en el fascismo que puja por dividir a pobres desgraciados que tienen que comer y alimentar el cuerpo y alma con basura, y están los otros que comen bien y ven cosas trascendentes”.
Sin lugar a dudas estas palabras ilustran un pensamiento que figura la realidad que nos circunda, y a través de los años fue cobrando mayor protagonismo y representación.
“Con las obras clásicas la gente se ríe mucho, tras la matanza del rey Banka, una de las escenas más terribles del teatro de Shakespeare, lo primero que sigue es el monólogo del portero del palacio que dice que tomó tanta cerveza que no para de hacer pis y aconseja que si uno tiene ganas de hacer el amor no tome mucho alcohol porque te dan ganas, pero después no podes hacerlo. Entonces que nos pasa, vamos a ver una obra clásica y no nos reímos porque nos da miedo, y no estamos acostumbrados, tememos meter la pata. Cuando vienen los jovencitos, que no poseen las limitaciones culturales de un adulto, si lo hacen, se ríen a carcajadas, y esa fue la intención del autor”; esta es la picardía y la espontaneidad en la cual Alcón insiste para con las obras clásicas, a la cual los más grandes no se animan a responder, o con la experiencia adquirida con los años han olvidado, “espontáneo es un niño que dibuja libremente, después se encargan las escuelas de hacerlo dibujar como se debe y no como el quiere, pero hay una frescura algo de espectador y de ingenuidad que uno va perdiendo, con el tiempo, ya sea por desinformación o por exceso de información, el tiempo en vez de ayudarte a estar más vivo te ayuda a ser más formal en el peor sentido de la palabra”.

Argentina, su lugar

Es sabido que Alfredo Alcón, ha trabajado exitosamente en el exterior, con logros bien ganados, más precisamente en España, sin embargo a pesar de tantos lauros, su público y escenario elegido seguirá siendo por siempre el de su Argentina natal, “no podría quedarme a trabajar en España, tengo muy buenos amigos, me tratan maravillosamente nunca me sentí extranjero, pero yo creo que mi lugar es este y tengo un compromiso con mi país”.
Fiel a su tierra, Alcón apuesta al cariño local, con una público que desde la crítica lo acompañó siempre, “si no me ha dado más es porque no tenía, durante mucho tiempo he podido hacer buenas obras porque la gente iba a verlas y me han ayudado a crecer, entonces porque en uno en muchos momentos no este bien, quiere decir que deba irme, no quiero decir que aquellos que lo hagan no amen a su país, pero para mi esta bueno devolver el gesto a quien me ha dado la mano”.
Alfredo Alcón se siente útil, más allá del papel que le toque desempeñar, y la vitalidad de su trabajo lo llena de energía que se expande en su entorno.

Inventar la alegría
Aunque suene extraño escucharlo, nuestro entrevistado, expresa claramente su escepticismo a la felicidad, pero sin dar lugar a conjeturas instantáneamente remarca que sí cree en la alegría, “si uno fuera feliz todo el tiempo sería un inconciente, viviendo en el mundo en el que vivimos. Ser feliz no creo que sea sano, creo que a pesar de eso, uno inventa la alegría”, y recurriendo a aquello que parece haber sido creado para su evocación, ilustra su contenido, con un argumento a su medida, “ eso lo contaba en el mito de Sísifo, a quien los dioses lo habían mandado subir una piedra pesadísima a lo alto de una montaña, y cuando él llegaba a poner la piedra en la cúspide de la montaña la piedra se caía, y él tenía que volver a agarrarla y volver a subirla, así por toda la eternidad, ese era su castigo. Entonces Sísifo pensó ‘¿como puedo hacer para jorobar a los dioses para ganar yo a pesar de esto que tengo que hacer?’, y Sísifo inventó la alegría, y aún sabiendo que la piedra se va a caer dijo ‘yo lo voy a hacer con alegría’, y es lo que hacemos nosotros, inventamos alegría”, relata con voz iluminada.
Es la alegría la que muchas veces saca adelante los momentos más tormentosos, aquellos que merecen ser guardados en una caja con cuatro llaves, y que sólo salen a la luz para servir de experiencias que atravesaron de alguna manera la vida.
El dolor de la muerte de su padre, fue para Alfredo un dolor muy grande en su niñez, pero el amor de sus abuelos y de su madre, colmó de alegría otros tantos momentos de su infancia, momentos donde gana el asombro la curiosidad y el deslumbramiento que, según el actor, es el hecho de estar vivo con sus cosas dolorosas y con sus alegrías, a veces con razón y a veces sin razón.

Actuar es una fiesta
Hoy Alfredo cuenta con una historia cruzada por logros y metas que esperan seguir cumpliéndose. Muerte de una Viajante es la obra que lo hace subir a escena y que lo vio brillar recientemente en nuestra ciudad, “Esa es un gran obra que el público se apasiona por ver, que se dale de la butaca viéndolo se nota un puente casi palpable entre la obra el público, es un orgullo porque es un público muy receptivo. Es una fiesta actuar en Rosario”.
Alfredo Alcón es un personaje que supera esta realidad, es muy difícil caracterizarlo con un determinado calificativo y para definirlo las palabras parecen no ser suficientes. Es por ello que a la hora de intentar hacerlo quien mejor que él para encontrar aquellas que se adecuen a su persona, “definir a alguien es como poner a las mariposas disecadas y colocarle el nombre debajo, un ser humano es líquido por lo tanto es indefinible salvo hasta el momento en que se muere. Estoy siendo, no puedo definirme porque definirme sería limitarme, aunque estoy vivo es mi definición”.
*Entrevista realizada para la Revista ADN.

“El resto de mi vida gira en torno al teatro”





Aunque le adjudique su suerte a la casualidad, este ex estudiante de Biotecnología devenido en actor y director, Matías Martínez, conoce la profesión de las artes dramáticas como si hubiera sido la primera elección desde sus mismos inicios.
Su San Nicolás natal, lo llevó a incursionar en un curso de teatro, aquello fue cobrando mayor impulso y finalmente se convirtió en su actividad profesional.
“Empecé a actuar y dirigir una obra llamada “Pelo de Grasa”, una versión libre de una obra de Griselda Gambado, esa experiencia generó un lugar transformador. Desde ese espacio me resultó imposible pensar que en mi vida podría llegar a hacer otra cosa que no fuera eso, el teatro”.
Matías nunca supo de limitaciones, y tomando como referente a La Fura del Baus un grupo de teatro catalán que trabaja con la improvisación, dio sus primeros pasos en escena, como director de La Piara, “tuvimos buenas críticas, se empezaron a fijar en nosotros y paulatinamente me fueron dando un lugar en el teatro que luego lo empecé a sentir como propio, en este sentido ganarse un lugar en el espacio que uno quiere es muy satisfactorio para el crecimiento personal”.
Aquello que en sus inicios comenzó a delinearse quedó plasmado recientemente con el gran suceso que convirtió a base de ideas que no se toman vacaciones, se generan y buscan salir a la luz durante las 24 horas del día.

Esperando la carroza
Decidió realizar una gran apuesta, lo propuso, encontró exactamente aquello que necesitaba y guiado por sus deseos, lo consiguió con “Esperando la carroza”.
“Lo que buscaba y busco con este proyecto, es que en Rosario haya un circuito comercial de teatro, a la medida de Buenos Aires. Esto va a permitir que la actividad se profesionalice, puede ser muy utópico por eso creo que uno lo sigue persiguiendo pero en esa medida uno puede hacer lo que le gusta y lo que sabe hacer, actuar, dirigir, producir”.
Esto fue lo que sucedió con Esperando la Carroza. Si bien Rosario cuenta con un arsenal de producciones locales, la estructura teatral que una puesta como esta brindó al elenco fue una propuesta nueva, y de superación.
La historia que planteó Martínez fue un elenco que actúe, un director que dirija, y un gran equipo de producción que, en cada rol determinado, logre el máximo esplendor en escena, y fuera de ella. Se lo propuso a la actual ministra de innovación y cultura, María de loa Ángeles “Chiqui” González, más tarde se lo comentó al director de La Comedia Roly Lo Giudice, y en una par de meses, esta historia cobró vida sobre las tablas.
“La decisión del elenco fue positiva desde el vamos, todos quedaron encantados con la forma de trabajar. Creo que la propuesta les gustó porque todos vamos para el mismo lado y pensamos al teatro de la misma forma, la propuesta que hice tiene que ver con la especificidad del laburo de cada uno. Es el sentido de que uno no hace lo que no tiene ganas de hacer, aquí los roles están determinados”.
Como un impulsor de propuestas y un creyente genuino, Matías Martínez decide apostar a ese sueño de lograr su cometido, “creo que había un hueco difícil de llenar, y con Esperando la carroza, comenzamos a conquistarlo y a ver, de ahora en adelante como siguen las cosas, como se desempeñan los demás”.
Su experiencia de vivir en Buenos Aires y formarse continuamente con muchos dramaturgos, le ha servido de pieza fundamental en esta proyección, “veo que en Rosario hay un ámbito propicio para desarrollar y acrecentar este arte. Sólo se necesita contar con un respaldo, con alguien que decida apostar a esto para poder demostrar que sí es posible”.

El placer como motor
Aunque sus ideas y los resultados de sus concreciones lo cataloguen como precursor de actividades, el considera completamente lo contrario, “no creo ser un precursor, todo lo que realicé en mi carrera lo hice a llevado por el placer y mis deseos, sentí hacer determinadas cosas y salieron bien. Que te ubiquen en un lugar determinado depende de la gente, del público, del espectador, es él que decide, el que asienta y confirma estas decisiones. Creo que hoy haces algo y mañana la gente ya se olvidó. Si me consideran así que sirva para algo, sino sólo va a servir para vanagloria mía y nada más, y no me parece coherente”.
Lo cierto es que Matías Martínez logró abrir la brecha, abrió el camino que lleva a pensar que la historia del teatro no sólo puede contarse entrelineas, y de manera sutil, sino también rompiendo con los esquemas y generando los propios, con un teatro que logre llenar tres funciones cada fin de semana, y un anfiteatro que explote con 6 mil espectadores, dispuestos a hacer la fila para volver a situarse cada vez que el espectáculo vuelva a escena.
“Para el teatro no me tomo vacaciones, intento hacerlo pero no puedo, soy una máquina de autogestión continua, mi vida es esto, y el resto de mi vida gira en torno al teatro”, ilustra Martinez, dejando más claro que nunca, que esa idea de cambiar las ciencias duras por el arte, fue el deseo más claro que lo marcó para siempre.
*Entrevista realizada para la Revista ADN.